Gli artisti del Transvisionismo ospiti di Arte Padova 2001: Stefano Sichel, Erminio Tansini, Viviana Faiola, Mario Bernardinello, il critico d'arte Giorgio Segato, Ugo Borlenghi e Massino Meucci.

Questa provoca un sostanzioso smarrimento di esperienza e di conoscenza, un progressivo indebolirsi dei riferimenti esterni e comporta, evidentemente, come sforzo reattivo e come proposta di uscita, un’ulteriore sollecitazione dello sguardo prensile, non più solo a guardare e vedere la realtà ma a ‘ trans-vedere’ a ‘ stravedere’, cercando di cogliere tutte le risonanze interne ed esterne, i riferimenti temporali e spaziali, di contesto ambientale e culturale. In questa direzione il Transvisionismo mira a distinguersi dall’Informale, attitudine, più vasta e più generica insieme, a restituire alla materia tutta la sua carica espressiva e comunicativa. Il Transvisionismo si propone di andare oltre, di guardare oltre, di vedere che cosa ci sia al di là della materia e che la materia stessa e il gesto con cui viene trattata guidano a vedere, a percepire, a partecipare.

La proposta non è nuova, naturalmente, specie se si pon mente al fatto che si è detto che tutta l’arte è e deve essere uno stravedere, che l’arte non è rappresentazione e vedere ciò che c’è ma un cogliere quel che non c’è, che non si vede, o che non si vede ancora. E’ proprio della più autentica e sostanziale risoluzione artistica del XX secolo l’aver introdotto nell’opera d’arte stessa la soggettività dell’osservante con pari dignità di quella dell’autore, dell’artista. Questo ha portato inevitabilmente alla dichiarazione che è arte tutto ciò che corrisponde alle sue misure, ai suoi bisogni ‘estetici’, modificandosi e abbassandosi o alzandosi mano a mano che questi si raffinano, si modificano, si alzano o si abbassano.

I Transvisionisti propongono quindi un diverso modo di guardare, di percepire la materia e di dialogare con essa, liberando l’istinto, focalizzando lo sguardo non più sulla apparenza figurale ma sui ritmi (gli andamenti, le scivolate, l’arricciarsi, il contaminarsi in tessiture semplici o complesse, a volte ardite per ricchezza di elementi interattivi) e sui ‘campi’ matrici (sugli sviluppi volumetrici per le sculture) come sollecitazioni a un sempre più attento ascolto delle risonanze e delle modificazioni che colore, movimento, forma, materia, luce producano in noi. Diventa importante il gesto, come ricerca di adeguamento del ritmo pittorico al respiro, all’andamento del corpo, al passo, all’ampiezza del braccio, ora più espansivo ora più reticente.

Ricordo come e con quanta passione Lucio Fontana raccomandasse di non guardare i suoi ‘tagli’, le sue cesure, come eventi terminali, come risultati, ma come azioni, come se ciascuno di noi partecipasse con lui alla realizzazione del taglio, al gesto: nella ripetizione fisica o mentale del gesto c’era la possibilità di vera scoperta, col corpo, del significato del taglio in quanto esso consentiva la percezione del tempo (taglio), la percezione del presente, cioè della lacerazione del diaframma temporale tra passato e futuro, del momento brevissimo, anzi senza durata, inesistente, tra prima e dopo, tra qui e oltre, tra il davanti e il dietro la tela messi in comunicazione diretta. Il Transvisionismo sollecita a vedere oltre la realtà delle cose così come sono, come sembrano essere, al di là della materia /colore, collocandosi in uno spazio illimitato, di continuità emotiva, di tempo dilatato, in percorsi che diventano metafore di movimenti e mutamenti psichici, di sentimento attivo e germinale, non retrovisivo e nostalgico di una centralità perduta, di un’unicità insostenibile.

La sua proposta concreta non è una corrente o l’instaurarsi di uno spirito gregario in un gruppo pedissequamente obbediente a un manifesto teorico, a un programma, ma piuttosto, vuole introdurre una sorta di laboratorio interculturale aperto, libero, abbattendo in modi diversi il confine tra spazio e materia, tra silenzio e parola, attivando uno spazio di libera sensitività, fluido ed elastico, ricco di energia, attraversato dall’aria e dalla luce/colore che si fa segno dell’emozione e dell’empatia. Come nel migliore astrattismo lirico, il colore e le materie giocano un ruolo da protagonisti assoluti ribadendo l’importanza di una matrice che indubbiamente ha le sue radici nel futurismo e nella grande trasformazione del concetto di opera d’arte in rapporto dialettico con lo spazio interno/esterno e con il tempo (velocità, simultaneità) che esso ha introdotto. Mi pare che in quello spirito di universalità e di sommovimento fisico e psichico, etico e spirituale ciascuno artista qui si possa e si voglia riconoscere. Essi, evidentemente, rappresentano uno dei momenti di possibile aggregazione di un gruppo/movimento, che a volte si presenta molto più numeroso, altre volte più sparuto, a seconda delle occasioni espositive, ma che certo risulta convincente ed efficace per ampiezza della gamma di proposte nell’elaborazione della materia, nella liberazione della sensitività verso nuovi spazi, nuovi ritmi, verso la valorizzazione della straordinaria ricchezza delle modulazioni cromatiche in relazione alle variazioni emotive, alle pieghe – anche profonde – del sentimento esistenziale, al vibrare degli impulsi più intimi in accensioni, profondità, tessiture come luoghi di attraversamento percettivo e conoscitivo piuttosto che come dati costruttivi di forme-figure di consolatoria riconoscibilità.